さて、ノンタイアップならではの90年代J-POP味まる出しの“ずっとラブソング“とか、吉沢亮が圧巻の演技だった“偉生人”のMVとか、『世界遺産』の壮大なオーケストラ楽曲“軌跡”とか、いろんな話題を振りまいてきた連続リリース後半戦ではあったが、究極だったのはやはりNHK『18祭』での共演曲“呼び声”だ。
「本気」という今年の『18祭』のテーマに対して、Vaundyはそれを歌詞で表現するのでもなく自らのパフォーマンスで表現するのでもなく、なんと参加する18歳世代に「本気」で歌わせるための楽曲を制作した。つまり、本気で挑んで、本気で努力して、本気で本人の実力を出さないと歌えない楽曲、しかも彼ら自身が「本気でそれをやりたいと思う」楽曲を作ったのだ。この発想がそもそもVaundyにしかできない。そして本当にそんな曲を作れるのもVaundyだけだ。
実際に、本番での1000人の18歳世代の歌う声や姿や表情は「本気」そのものだった。そして歌い終えた時、これまでのどの『18祭』でも見たことのない、自分が自分に対して驚きを感じているような、それがやがて喜びに変わっていくような、そんな表情を見せていた。
そんな“呼び声”に込めた思いをじっくりと語ってもらった。
インタビュー＝山崎洋一郎 撮影＝太田好治
──『Vaundy18祭』の“呼び声”。この曲はすごいところまで行ったなと思いました。どういう過程で生まれたんですか？成功体験の積み重ねが大人になること。それを公共の場で責任を持ってやる体験が大事だと思ったから、（“呼び声”は）俺がプロとしてミュージシャンに求めることを子どもたちに求めようと思ったんです
『18祭』（18歳世代の1000人と1回限りのパフォーマンスでステージを作り上げる番組）のために作った曲ではあるんですけど、子どもを子どもとして扱いたくないので、みんなが「こんなの無理だろ」って思うような曲を作りたいと思って。ほんとにいちばん難しい曲を作る時って、パッションだけを使うんですよね。“美電球”とか“replica”とか、マジで俺からそのまま出たみたいな曲がいちばん難しいです。今回は、パッション重視にしてもいいんじゃないかと思って、こういう曲にしました。
高校生だったらこういう歌詞が響くかとか、歌い回し、和声はこういうほうがいいとか、分解することはできたかもしれないですけど──若い子たちに合唱させるような企画では、新しい音楽をやったほうがいいと思うんですよね。だから今まで歌ったことない曲だけど、20年後もかっこいいよねって言えるような曲を作りました。
──『18祭』のこれまでの楽曲って、みんなが曲を聴いて一発で曲のエモーションを掴んで、自分のものにして、それをみんなで出し合うような曲だったと思うんだけど、“呼び声”は誰もがパッとものにできる曲じゃないよね。だから、この曲を歌う子たちも、一生懸命トライしながら歌うみたいなテンションになったんじゃないかなと思って。
それが狙いですね。人生って、難しいことに対して、「どうやってやるんだろう？」という工程がいちばん大事じゃないですか。すごく好きなことの中に障害があって、でもすげえ楽しくて、やり切ったら面白くて自分が誇れるものになる──『18祭』はそういう美しさを称える番組であって、歌って気持ちよくなるための番組ではないと思ったんですよね。
パーフェクトグレードのガンダムを作ってください、って言われて、かっこいいパッケージを見せられて、開けたらパーツ多すぎて、「うわ、これできるのかな」って思って。でも頑張って作ってみたら、ダセえけどかっこいいものができた、みたいな、そういう成功体験の積み重ねが大人になることじゃないですか。それを公共の場で責任を持ってやる体験がいちばん大事だと思ったから、俺がプロとしてミュージシャンに求めることを子どもたちに求めようと思ったんですよ。
──実際にその成功体験がみんなの中に起きたという手応えはあった？
正直あまりないですね。自分でも毎回そうなので──こんなに難しい曲を俺が歌えるわけないと思いながら作ってるから。今ってあまりにも障害が少なすぎて、なんとなく生きてこれちゃうんですよね。だからこそ、ハードルを自分で自分に課さなきゃいけないと思うし。好きなことを飛び越える感覚は、やってみないとわからないのに、やる機会が全然ない。だから好きなことを仕事にできないんですよ。今の子たちは指先で好きなことを探せちゃうから、障害がないように見えた仕事も、実際は全然違ったりする。今回の1000人には、そのハードルを1回越えさせたので、もう1回これと同じことができるものを見つければ、一生就いていける仕事になるんじゃないですかね。あとはみんな次第です。“呼び声”を歌った次の日から、物事の見方が変わったと思うので。
──歌詞のテーマとしては、青春時代独特の希望の感触が歌われていると思ったんだけど、そのあたりはどうでしょうか？ベッドに寝っ転がって、天井のしみをじーっと見てる時に、自分の未来が見える。自分が好きなことをやった先の姿が見えて、未来に呼ばれた気がする
“呼び声”がどういうシーンなのかは明白にあって──ベッドに寝っ転がって、目が悪い僕が天井のしみをじーっと見るわけですよ。そうやって、ぼーっと深淵を見つめてる時に自分の未来の像が見えるというか。自分が好きなことをやった先の姿とか、未来像が見えてきて、その時に未来に呼ばれた気がするという曲です。
僕が18歳くらいの時って、目の前のこともすごく大事だったんですけど──僕にとっての目の前のことは、何十年か先のことだったんですよね。僕がステージの上にいるとか、20～30年先のことを見てたと思うんです。目の前のことを見るっていうのは、実はその目の前に見えている妄想を見ることだと思ってて、それを見てるうちに体にぶつかってきた風みたいなものがやるべきことなんです。その風は勉強だったりするけど、勉強の先で弁護士になるのかもしれないし、総理大臣になるのかもしれない。目の前にフィルターみたいに未来の像があって、それを見てる時に聞こえてくるのが、君にとっての呼び声だよって。
──音楽を聴く時も、歌詞を聴いていたり歌を聴いていたりするけど、実はその呼び声を聴いているようなものだよね。音楽体験って本当はそういう自分の未来を感じられる、呼び声だらけの瞬間というか。
そうなんですよね。音楽って、自分の知らなかったものを見る擬似体験だったと思うんですよ。でも、ここ10年で、ループするものとして日常の空気のように扱うものになってる。僕も今は音楽が職業になったので、未知のものに見えなくなってはいて──たまに「うわ、これは未知だな」という時は未来を見ますけど。僕がこれをやったらどうなるんだろうとか、これってどうやってるんだろうって考えるのも未来を見る行為だから。
──みんなそれぞれに、そういう呼び声を聞いているタイミングはあるだろうね。
そうですね。ほんとにできる人たちって見えてるし、子どもには無限大の妄想力があるんですよ。「こんなのできないよ」って思ったことって、大体できるんですよね。自分が好きなことをやってる未来の姿を思い浮かべた時、その像がはっきりしていればいるほど、絶対に起きることだから。それはもう信じてやるしかないよね、みたいなことを考えながら曲を書いていました。
──そうやって誰もが思い当たるような実感を歌詞に書いてくれてるんだけど、音楽的にはさっき言ってたみたいにハードル感があって。精神的なアクロバットをして初めて、自分の体験として実感できるという。
この曲は、あの場にいた1000人しかわからない体験の曲なんですけど、みんながあとで聴いた時にはいつも通りの曲なので、かっこいいと思ったらかっこいいでいいし、ダサいと思ったらダサいでいいし、なんでもいいんです。あの子たちが体験した飛び越える感覚のために作った曲なので。
──Vaundyはたくさんタイアップのオファーを受けているけど、曲を書く時は必ず「このオファーはなんなのか」という前提だったり、俯瞰して見た時の意味みたいなことから考え始めるんだね。（“軌跡”は）自然が言っている言葉が大事なんだろうなって。木がしなる音とか、目をつぶって崖の上にいる感覚とか、ふわーっと吹いた風を音楽にするイメージ
ああ、確かに。毎回その企画ごとに未来を見る感覚で曲を作ってるのかもしれない──この曲が聴かれた時にどう喜ばれるかとか、どうなってる状態がいちばんかっこいいのかを妄想しながら。“呼び声”でも、♪どんな時も～って最後に歌ったらどんなやつでも泣くよな、って想像しながら作りましたね。みんな、実際に泣いてましたし。コード進行の設計とか細かい仕掛けはあるけど、大前提としてはここでこうなったら気持ちいい、みたいなことを妄想して、それにパーツをくっつけていくというか。タイアップの時は特にそういうことをしてます。原作者やスタッフ陣が何をやりたいかとか、どういう曲になってたらお客さんや僕の周りにいる人たちがワクワクするんだろうって妄想するところから毎回曲を作っていって、そのために必要なパーツを僕が世界中から集めてくるイメージです。
──なるほどね。次に聞きたいのは、TBS『世界遺産』のテーマ曲“軌跡”。これはどういうスタンスで作った曲ですか？
この曲はめちゃめちゃ遊びましたね。僕、映画好きって言いながら、SFばかり観てて知らない映画がいっぱいあったので、2025年は100本近く映画を観たんですよ。音楽と映画ってすごく近くて──さっき音楽が空気のようなものになっているという話をしたじゃないですか。それはこの10年くらいの話だけど、映画音楽では50年前からやってるんですよ。で、『世界遺産』の曲は俺が歌わなくてよかったから、オーケストラでやろうって思って。オーケストレーションは空気を作る行為だと思ってて、息遣いとか風とか空気を尊重する音楽の中に主旋律を入れる感覚を試したいなと思って、ド直球の曲をやりました。
──そういう、空気を作るような曲の作り方は初めてだよね。
初めてです。だからめっちゃ難しかったですね。アビー・ロード・スタジオの2スタで録らせてもらって──僕、ジョン・ウィリアムズ（アメリカの作曲家。『E.T.』や『スター・ウォーズ』を始めとする多くの映画音楽を作曲している）が大好きなのでジョン・ウィリアムズが録ってた1スタにも行ったんですけど、マジでデカかった。ただ、やれることとしては日本とそんなに変わらなくて。でも、人と場所、味が違うから、空気も違って──それはスピリチュアル的な意味だけじゃなくて、普通に空気としても違う。そういういろんな意味があったし、ずっと残ってるスタジオで録れたので、言葉通りクラシカルな体験をしたなと思います。
──ソングライターとしては、『世界遺産』のテーマにどんな曲を書こうと思ったの？
『E.T.』みたいな曲です（笑）。ジョン・ウィリアムズを俺に憑依させて作ろうと純粋に思って。あとは、久石譲さんとか坂本龍一さんとかですね。ポップスと何が違うかというと、歌詞がないことがいちばんデカいかもしれないなって。僕、ほんとに歌詞を書くのが苦手だから、ただ曲を作れるのがほんとに楽しかったです。“軌跡”を聴いてもらえば、残してきた何かを拾い集める行為なんだなということが、なんとなくわかってもらえると思ったし、それだけ伝われば十分です。歌詞はいらない。
──じゃあ、『世界遺産』のテーマ的なイメージや設定はあって、それを楽曲に落とし込んでるんだね。
はい。僕のイメージだと世界遺産がある場所は、大体広い場所なんですよ。あとは、人が立ち入らない場所。だから自然が言っている言葉みたいなのが大事なんだろうなという気がして。草の揺らぎとか、木がしなる音とか、目をつぶって崖の上にいる感覚とか、ふわーっと吹いた風を音楽にするイメージでした。
──なるほどね。この曲はポップソングじゃないけど、仮に言わせてもらうと──Aメロ的な部分からBメロ的な部分にきて、やがてサビ的な展開があって、後半はそのサビが変化しながら展開していくような動きの曲で。でも、そのAメロ的な部分もBメロ的な部分も全部、最後に出てくる主題の──。
伏線を置いていく行為。
──そう。伏線によって主題がだんだん見えてきて、その主題も変化しながらどんどん盛り上がっていくみたいな作りになってるよね。
そうですね。それを視覚化するとどういう絵になるかというと、地面を見てて、そこには雑草が生えてて、なんだろう？と思って引いて見ると、ここは草原だったのかって気づいて。探索しているうちに暗くなってきて、これは草原じゃなくて森の一部だったんだ、こんなところにいたら大変だってなって、雨が降ってきて、あ、ここは樹海だったんだってわかる──そういう場面設定を流れるように作るのが、僕の中でのクラシックのイメージなんです。そこに展開をつけてくのが面白くて。
──俺、この曲はかなり重要だと思っていて。というのも、Vaundyがオーケストラで歌なしの曲をやるって聞いた時に、絶対に坂本龍一的なアプローチになるって思い込んでて。
ああ、なるほど。
──彼の場合はオーケストラ曲でもピアノ曲でも、ある種ポップス的というかロック的で。要するに、光景や流れを描くんじゃなくて、ロジックがあってこの音が出ている、というロジカルな曲の作り方をしていたと思うんだよ。Vaundyがオーケストラの曲をやるんだったらきっとそっちなんだろうなと思ったら真逆のアプローチで、しかもそれがすげえ楽しいって言ってる。
たぶん僕の中でいろんなものが乖離してるんですよね。
──シンプルに、初めてやったから楽しかったんじゃない？
わからない。でもまあ面白いっすよ。歌ものって終わりを作らなきゃいけないんですよ。オーケストラの曲はずっと続けられるからやっぱ面白くて。音楽家はみんな、ほんとはそういうのがやりたいだろうし。でも、まだ1曲目だから、2曲目からどういうふうになっていくかはみんな楽しみにしてもらえればなと思います。それを積み重ねていくとロジカルになっていく、ということだと思いますね。今は自分のやりたいことに身を任せてる状態です。まあいつもそうなんですけどね。
──そして、2026年2月からは男性ソロアーティスト史上最年少の4大都市ドームツアーが控えています。ドームツアーにはどういう心持ちで行くんですか？もっと職人になっていかなきゃ。僕はVaundyを作る職人だからだから、もっと源流の部分に向き合わなきゃいけない
毎回言ってるけど、ほんとにいつも通りをいつも以上にやるだけです。演出もめっちゃド派手にワーッて感じにするよりは、ドームで俺が音楽をやるとこうなるよね、という感じをまずはやりたいなって。俺のベーシックがどこまで通じるか、あるいは通じるだろうけどそれをどう面白く聴かせられるかをちゃんと突き詰めたいです。
──2025年もライブを何本か観させてもらったけど、Vaundyが不思議なのは、ガーデンシアターで観た時のうわ！と、O-EASTで観た時のうわ！が、いい意味で同じというか。だから、ドームもそういう感触を感じるのかもしれないって思った。観客からこう見えて、こう聞こえるんだ、というのがすごくプロデュースされている感じがして。
音楽は空気を体験するものだし、ライブはさらにそれを感じる場所だから、より生のものを観てほしいという感覚をずっと大事にしてきたので、そうなってるのかもしれないです。どこでやっても一緒なんですよね、ほんとに。俺が本気でその空間に向き合うだけ、歌うだけだから。とにかく自分ができる最大のエネルギー砲を撃つにはそれしかなくて、それはドームでも同じなので。
──あと、それを確実にやるためには、あらゆる面でのクオリティ管理が必要になるよね。
それはもうプロがやってくれるから、演出も含め任せたほうがいいなって。僕はもっと源流のもの──曲がいい曲かどうかと向き合わなきゃいけないから、外見（そとみ）としてみんなに見えるものを作るのは僕じゃなくてもいいんです。だから、その外見を作る人たちに、俺がやってるワクワクを伝えられなければいけなくて。
それって俺の作った醤油を薄めていく行為だから、どんなに薄めても醤油だけどなって思わせられる、濃い醤油を作るのが俺のやるべきことなんです。みんなが俺の醤油を飲んで「これ味濃いわ」ってなった時に「こうしよう」「こうやって分けよう」って考えたりする人たちは別にいて、それは俺の仕事じゃない。もっと職人になっていかなきゃ。僕はVaundyを作る職人だから、発表する行為は僕の仕事じゃない。僕は、歌が上手いとか、リズムとかバンド内のグルーヴのかっこよさとか、もっと源流の部分に向き合わなきゃいけないので。
──そういう発想なんだね。音楽のダイナミクスに完全に集中しているというか。
そう。デジタルカメラとフィルムカメラで何が違うかというと、どんなに寄っても中に密度があるのがフィルムなんですよ。でも、デジタルはピクセルだから、寄って見ると一色の色になるという明確な差があるんです。で、俺がやらなきゃいけないのはフィルムなんですよね。
──それだ！ Vaundyの表現に感じる濃密さの秘密は。
引いてもいい感じだし、どんなに寄ってもピクセルじゃなくて世界がある状態。そのフィルムをどこで発表するかとか、どういうふうに現像するかとか、そんなのはどうでもよくて。そこに写ってるものに、どこまでいっても解像度があることのほうが重要だから。
──Vaundyのライブでどこの会場に行っても変わらない強さを感じるのは、そのたとえにすごく近い。ドーム公演でも、フィルム写真の密度を感じさせてくれたら、それはものすごいことだよ。
それはもう、頑張ります！
このインタビューの完全版は、発売中の『ROCKIN'ON JAPAN』2月号に掲載！
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●MV
“軌跡” MV
●リリース情報
『軌跡』
『呼び声』
●ツアー情報
「Vaundy DOME TOUR 2026」
2026年2月7日（土） 福岡・みずほPayPayドーム福岡
2026年2月8日（日） 福岡・みずほPayPayドーム福岡
2026年2月14日（土） 東京・東京ドーム
2026年2月15日（日） 東京・東京ドーム
2026年3月14日（土） 大阪・京セラドーム大阪
2026年3月15日（日） 大阪・京セラドーム大阪
2026年3月28日（土） 北海道・⼤和ハウス プレミストドーム
※全公演完売
提供：株式会社SDR
企画・制作：ROCKIN'ON JAPAN編集部